[clear][clear][information]Texte et images de Jordan Clayton.

Traduction de l’anglais (Canada) par Benoit Laflamme.[/information] [toggles title= »Twenty thousand microns under the cytoplasm: Jordan Clayton’s illusive, microscopic journey through the diseased human body (Original English text) » icon= » »]Following my graduating group exhibition with the University of Ottawa’s Bachelor of Fine Art Graduates – Preface/préface, held April 22 to 26 2014 at 100 Laurier Ave. E.– I have opened the primary discipline of my practice. Though my primary language is painting, I use my work as a means to sew my interest and research in biology to visual art. Generally speaking, it is not assumed that scientific and artistic disciplines are in any way related. However there is an emerging trend in contemporary art where scientists, engineers, and artists are challenging this binary to make creative work that is informed by physics, mathematics, and biology. The approach to making a piece of art is very similar to that of a scientific research, involving apparatus and experimentation before reaching a resolution. Further still, those who have studied outside of artistic discipline (eg. engineering) are often afforded an understanding of new technologies that can be repurposed for making art. For example, artist Adam Brown incorporates an intricate knowledge of systems, kinetics and biology to create mixed media installation, sculptural, and performance work (Brown, Adam, 2014: web). Another contemporary example dealing with visual media would be Björk’s collaboration with Apple: Biophilia (Björk, 2011: web). The album, initially released on the iOS platform, blends Björk’s vocal tracks with both a technological medium and biological imagery. The app engages the user on both a creative and educational level, requiring touch input to manipulate both the audio and image (Björk, 2011: web). Toronto based artist, Gregory Brown discusses this tension further with the youtube channel ASAPThought, which can be accessed online(Brown, Gregory, 2014: web). His current painting practice is very similar to mine, in that it examines human biology on a microscopic level: dealing with macromolecules and protein synthesis (Brown, Gregory, 2014: web). My artwork is primarily concerned with the image, which is influenced by my personal biology research conducted throughout the duration of my undergraduate degree. The objective of my work has been to monumentalize the microscopic by: representing observable objects whose statures render them invisible to the naked eye, on supports that are larger than most human beings. I am currently examining microscope imagery sourced from published journals, databases, and general internet searching of single-celled organisms, bacterium, viruses, and computer-modeled renderings of chemicals and electromagnetism. Over the past few months, I have focused my attention on the Human Immunodeficiency Virus (HIV): the viral structure, the kinetic qualities of the virus, the immune system response, and the pharmacokinetics of Highly Active Antiretroviral Therapy (HAART). My art has since broadened to research other pandemics and to render micro-organic material to a macroscopic scale. From this research I am able to further conceptualize and re-imagine found scientific imagery, to then invent or imagine organic spaces that evoke the uncanny or Das Unheimliche. To build my compositions, I paint in a style that I would call “unrecognizable representation.” My approach utilizes the freudian concept Das Umheimliche, “the opposite of that which is familiar,” wherein a sensory experience or instance involves something that projects as both familiar and unfamiliar at the same time (Freud, Sigmund, 1919: web). Thus when I use the term “unrecognizable representation,” I am referring to my use of figurative painting technique to represent that which is alien or unreal, as something that is seemingly real. From a formal criticism, the manner in which I paint borrows from strategies of both representation and abstraction – as well as historical glazing technique: I choose to lay paint in several layers of thin glazes, allowing for a slow and luscious building of form. This technique mirrors that of old masters or grisaille painting, where an artist lays one or multiple, thinned paint layers called under-paintings upon which forms and figures are then painted in. I choose to work in oil over acrylic due to an increased flexibility to make and change decisions afforded by its open time. The longer the paint stays “open” or “wet,” the more chances there are to move paint, make mistakes, and react to those mistakes. I also find this allows a dialogue between artist and painting, in that the work can begin to mutate and make its own decisions instead of being solely left up to my brush. I find this manner of working to be much more playful and energetic, which shows through my work. The medium I mix to thin my paint can sometimes react with the paint in a way that I don’t anticipate, which I find to be exuberant because I’m afforded new opportunities to react to the medium. I also have a tendency to gravitate towards building networks of vascular tubules that sew in and out of illusionary space because of my background in drawing. I find the line to be an incredibly useful tool as part of my painting language because of its versatility: it can be – to any degree – evocative, descriptive, formal or any combination of the three. With my work, I like to use provocation as a tool to jar my intended viewing audience. Though aesthetics and colour do play a role in what I create, I use the uncanny as my primary tool to present a cognitive dissonance: my conceptualized forms and cell-like imagery are painted with the language of figuration to oblige the viewer to accept them as believably real. My typical palette does not rely on organic or earth-like colours, in favour of more vibrant ones similar to those found in undersea imaging. My choices could be compared to false colour imaging, which refers to photography or rendering that records and “displays” colours that exist in both the visible and non-visible spectrums (ie. infrared, ultraviolet). These choices are made for two reasons: one of which being that bright colours reflect more light and thus aggressively address the audience, and two being that the concept of false colour helps build the uncanny tension when used to render the familiar and the organic. Beyond the immediate biological and medical readings, my work also deals with tensions caused by simulated gravity and weight: that which is seemingly weightless or floating within fluid, versus cavernous and rooted mesentery-like architecture. Depending on the density, or opacity of my glazes, the objects I make are able to mimic familiar, organic textures: from dense, gelatinous, membranes, to ghostly, or glass-like matter. These tools are part of a growing artistic language that seeks to push the limits of illusion into an endless journey through the human body.[/toggles]


Après l’exposition collective de ma cohorte de diplômés du programme de premier cycle des Beaux-Arts de l’Université d’Ottawa – Preface/préface, tenue du 22 au 26 avril 2014 au 100, avenue Laurier Est , j’en suis venu à élargir la principale discipline de ma pratique. Bien que je m’exprime d’abord et avant tout par la peinture, j’utilise mon travail pour greffer aux arts visuels mon intérêt pour la biologie et mes recherches dans ce domaine.



On croit généralement que les sciences et les arts n’entretiennent aucune relation, mais une nouvelle tendance émerge en art contemporain : des scientifiques, ingénieurs et artistes brisent cette opposition binaire en créant des œuvres qui s’appuient sur la physique, les mathématiques et la biologie. L’approche de création, dans ces œuvres, s’apparente au processus scientifique puisqu’il faut de l’équipement et de l’expérimentation afin d’aboutir à une résolution. En outre, ceux qui ont étudié dans un domaine autre que les arts (le génie, par exemple) ont souvent une connaissance des nouvelles technologies qu’ils peuvent adapter à la création artistique. Par exemple, l’artiste Adam Brown mobilise ses connaissances pointues des systèmes, de la cinétique et de la biologie pour créer des installations, des sculptures et des performances multimédias (Adam Brown, 2014 : en ligne). Biophilia (Björk, 2011 : en ligne), issu d’une collaboration entre Björk et Apple, constitue un autre exemple d’œuvre contemporaine incluant des médias visuels. Dans cet album, publiéà l’origine sur la plateforme iOS, la voix de Björk est alliée à un média technologique et à une thématique biologique. L’application interpelle les utilisateurs tant sur plan créatif qu’éducatif, les invitant à toucher l’écran pour manipuler à la fois le son et l’image (Björk, 2011 : en ligne). L’artiste torontois Gregory Brown examine plus en profondeur cette tension sur son canal YouTube « ASAPThought » (Gregory Brown, 2014 : en ligne). Son approche de la peinture est très semblable à la mienne, en ce sens qu’il examine la biologie humaine à l’échelle microscopique et s’attarde aux macromolécules et à la synthèse de protéines (Gregory Brown, 2014 : en ligne). Pour ma part, je me concentre principalement sur l’image elle-même, qui est influencée par les recherches en biologie que j’ai menées au cours de mes études de premier cycle.



Mon objectif est de donner à l’univers microscopique une dimension monumentale. Pour ce faire, je représente des objets observables mais invisibles à l’œil nu sur des supports plus grands que l’être humain moyen. À l’heure actuelle, je m’intéresse à des images d’organismes unicellulaires, de bactéries et de virus obtenues par microscope ainsi qu’à des modèles numériques de molécules et de systèmes électromagnétiques. Je tire ces images de journaux, de banques de données et d’Internet en général. Au cours des derniers mois, je me suis concentré sur le virus de l’immunodéficience humaine (VIH), plus précisément sur sa structure virale, ses caractéristiques cinétiques, la réaction du système immunitaire et la pharmacocinétique du Traitement antirétroviral hautement actif (HAART). Depuis, j’ai élargi ma pratique artistique : je fais des recherches sur d’autres pandémies et représente des matières organiques microscopiques sur une échelle macroscopique. Grâce à mes recherches, j’arrive à conceptualiser et à aborder d’un nouvel angle les images scientifiques connues pour ensuite inventer ou imaginer des espaces biologiques qui évoquent une inquiétante étrangeté (Das Unheimliche). Pour arriver à mes compositions, je peins dans un style que je qualifierais de « représentation méconnaissable ». Je m’appuie sur le concept freudien Das Umheimliche, selon lequel une expérience sensorielle ou un évènement est perçu à la fois comme familier et étrange (Freud, Sigmund, 1919 : en ligne). Ainsi, par « représentation méconnaissance », j’entends la manière dont j’utilise les techniques de peinture figurative pour représenter des sujets étranges ou irréels d’une façon qui semble réelle.



Du point de vue de la forme, j’ai recours, dans mes toiles, tant aux stratégies de la représentation qu’à celles de l’abstraction, et j’utilise la technique ancestrale du glacis : j’applique plusieurs minces couches de glacis afin de constituer lentement une forme d’une grande richesse. Cette méthode rappelle la technique de peinture en grisaille qu’utilisaient les grands maîtres, où l’artiste applique une ou plusieurs minces couches de fond sur lesquelles il fait ensuite apparaître les formes et les figures. Je préfère l’huile à l’acrylique puisque l’huile, de par le temps qu’il lui faut pour sécher, est plus flexible et permet de prendre des décisions et de changer de direction au fil de la création. Plus il faut de temps avant que la peinture sèche, donc plus longtemps elle reste « malléable », plus il y a de temps pour modifier la toile, faire des erreurs et réagir à celles-ci. Ce rythme me permet également d’établir un dialogue avec la toile, dans la mesure où l’œuvre se métamorphose et se crée d’elle-même plutôt qu’elle soit entièrement définie par mon coup de pinceau. Cette méthode de travail me semble bien plus amusante et dynamique, comme en témoignent mes œuvres. La substance que j’utilise pour mélanger mes couleurs réagit parfois à la peinture d’une manière inattendue, ce que je trouve stimulant puisque je peux alors interagir d’une nouvelle manière avec ma création. En outre, en raison de ma formation en dessin, j’ai tendance à créer des systèmes vasculaires qui pénètrent l’espace virtuel et en ressortent. La ligne est un outil inestimable dans mon langage pictural en raison de sa polyvalence : elle peut être, à tous les degrés, évocatrice, descriptive ou formelle, ou encore un mélange de ces trois caractéristiques.

J’aime provoquer le public pour le déstabiliser. L’esthétisme et la couleur jouent bien évidemment un rôle dans mes créations, mais j’utilise l’inquiétante étrangeté avant tout pour créer une dissonance cognitive : mes formes conceptualisées et les images rappelant des cellules sont représentées avec le langage de la figuration pour forcer le public à les accepter comme des sujets d’apparence réelle. En règle générale, plutôt que d’utiliser des couleurs associées aux organismes biologiques ou à la terre, j’opte pour des couleurs vives semblables à celles que l’on retrouve dans les fonds marins. On pourrait rapprocher le résultat des images en fausses couleurs, soit des photographies ou représentations qui « illustrent »à la fois les couleurs visibles et non visibles (c’est-à-dire l’infrarouge et l’ultraviolet). Deux raisons expliquent mon choix : la première est que les couleurs vives reflètent davantage de lumière et ont donc un effet plus agressant sur le spectateur, et la seconde est que les fausses couleurs renforcent la tension créée par l’inquiétante étrangeté lorsqu’elles sont utilisées pour représenter des sujets familiers et biologiques.



Au-delà du thème biologique et médical qui s’impose de prime abord dans mes œuvres, je m’inspire également des tensions causées par la simulation de la gravité et du poids : j’oppose des sujets qui semblent être en apesanteur ou flotter dans un fluide à des architectures caverneuses et mésentériques. Selon la densité ou l’opacité du glacis, je parviens à reproduire des textures familières et biologiques allant des membranes denses et gélatineuses à des matières évanescentes et transparentes. Ces outils s’inscrivent dans un langage artistique en pleine croissance qui cherche à repousser les limites de l’illusion dans un voyage infini aux confins du corps.


[heading style= »subheader »]Bibliographie[/heading]

Björk, « Biophilia », Discography, 2011, [en ligne]. (Page consultée le 2 juin 2014).

Björk, « björk: full biophilia app suite », bjorkdotcom : YouTube [vidéo en ligne]. (Page consultée le 2 juin 2014).

Brown, Adam, « Adam Brown », portfolio en ligne, 2014, [en ligne].  (Page consultée le 2 juin 2014).

Brown, Gregory, « Art By Gregory Brown », portfolio en ligne, 2014, [en ligne].  (Page consultée le 2 juin 2014).

Brown, Gregory, « The Science of Art », ASAPThought, YouTube, [vidéo en ligne].  (Page consultée le 2 juin 2014).

Freud, Sigmund, « The Uncanny », traduit pour l’Université d’État de San Diego, 2010, [en ligne].(Page consultée le 2 juin 2014).